Durante más de dos décadas fue el cantante principal de la orquesta cubana de Pacho Alonso en los años cincuenta. En 1955 participó en un exitoso disco, “El Platanar de Bartola” con la Orquesta de Chepín-Chovén. Se trasladó a La Habana en 1957 y trabajó con la legendaria Orquesta Ritmo Oriental y con el gran Beny Moré, antes de reunirse de nuevo con el grupo Los Bocucos de Pacho Alonso. Hizo giras mundiales con esta banda y con los años, fue ganando seguidores. Sin embargo, su nombre siempre quedaba en la sombra, era amado por la audiencia pero no por sus colegas.

Perdió el entusiasmo por la música y se retiró en 1991. Se le vio lustrando zapatos en las calles y su antigua casa la cambió por una pequeña pensión donde se encerró retirado del mundo y tristemente de la música. Pero en 1997, sus amigos lo convencieron de salir de su retiro y regresar a la música para grabar su debut con la orquesta Afro Cuban All Stars, el álbum A toda Cuba Le Gusta, seguido ese mismo año por su aparición en el Buena Vista Social Club, un álbum fruto del trabajo de Ry Cooder, un reconocido productor musical que viajó a Cuba y le apostó al talento de notables figuras conocidas sólo en la isla como Compay Segundo, Rubén González, e Ibrahim Ferrer.

Sus discos han sido ganadores de toda suerte de premios -entre ellos dos Grammy-, y sus conciertos han llenado el Carnegie Hall de Nueva York, los estadios europeos y hasta los muy exigentes auditorios japoneses. Esto sin contar la película sobre su historia de 1998. Ibrahim Ferrer falleció a los 78 años, en la tarde (hora local) del 6 de agosto del 2005, en un hospital de La Habana.

DISCOGRAFIA:

Como solista:
• Buenavista Social Club presents Ibrahim Ferrer. 1999
• Buenavista Social Club presents Ibrahim Ferrer (Edición Japón). 1999
• Buenos Hermanos. 2003
• Buenos Hermanos (Edición USA). 2003
• Mi sueño. A bolero Songbook. (pendiente de publicar, en el momento de su fallecimiento daba los últimos retoques a este disco)

Colaboraciones:
• Buena Vista Social Club. 1997 • A toda Cuba le gusta. 1997 • Buena Vista Social Club (película documental). 1998 • Distinto Diferente. 1999 • Havana Café. 1999 • Buenavista Social Club presents Omara Portuondo. 2000 • Chanchullo. 2000 • Cachaíto. 2001 • Gorillaz. 2001 • Specialist in all styles. 2002 • Rumbero soy. 2002 • Llegó Teté. 2003 • Callejero. 2004 • Buenavista Social Club presents Manuel Guajiro Mirabal. 2004 • Cuba le Canta a Serrat (Track 6: Te Guste o No). 2005 • Rhythms del Mundo: Cuba (Track 5: As Time Goes By; Track 16: Casablanca). 2006

Ella recuerda sus canciones, incluida entre sus favoritas “La Bayamesa” de Ernesto Grenet y Sindo Garay (también cantada por Compay Segundo en Buena Vista Social Club). Estas fueron sus primeras lecciones informales de canto y dichas canciones permanecen en su repertorio hoy en día. Cuando su hermana Haydée se convirtió en bailarina del famoso club Tropicana, Omara pronto la siguió, por accidente. La compañía de Ballet se vio reducida un día de 1945 cuando una bailarina se retiro dos días antes de una importante premier. Omara había visto ensayar a su hermana tan a menudo que se sabía todos los pasos y le pidieron que entrara en el ballet. “Era un cabaret muy chic, pero dije que era inadmisible”, recuerda Omara. “Era muy tímida y me daba vergüenza mostrar mis piernas”. Su madre le dijo que no podía defraudarlos y así comenzó una carrera como bailarina, formando una sociedad famosa con el bailarín Rolando Espinosa. Hasta el día de hoy actúa en Tropicana, pero como una de sus cantantes estrellas.

La novia del feeling:
Los fines de semana Omara y Haydee cantaban Standard de Jazz americanos con algunos amigos: César Portillo de la Luz, José Antonio Méndez y el pianista Frank Emilio Flynn, se hacían llamar Loquibambla Swing y el estilo que tocaban (una versión cubanizada de la Bossa Nova con influencias del Jazz americano) se conoció como “feeling” o “filin” (como a menudo se menciona en español). En su debut de radio Omara fue anunciada como Srta. Omara Brown, la novia del filin. “ El nombre inglesado pronto fue olvidado, pero todavía muchos cubanos la conocen como La Novia del Filin”.

En 1950 fue integrante de la Orquesta Anacaona, y hacia 1952 Omara y Haydée formaban un cuarteto vocal femenino con Elena Burke y Moraima Secada, liderado por la pianista Aída Diestro. Se convirtieron en uno de los grupos más importantes de la historia musical cubana y Omara permaneció con el “Cuarteto las D´Aida” durante 15 años, aunque la formación original solo grabó una álbum para RCA Víctor en 1957, realizaron numerosas giras por América y los arreglos vocales de Aída eran muy innovadores y compartió escenarios con Edith Piaf, Pedro Vargas, Rita Montaner, Bola de Nieve y Benny Moré. y sirvieron como acompañantes de Nat King" Cole cuando este se presentó en el Club Tropicana. Omara también conoció y compartió su arte con figuras como Ernesto Lecuona, Isolina Carrillo, Arsenio Rodríguez y otros.

Su carrera en solitario:
Su álbum debut en solitario fue “Magia negra”, apareció en 1959. En este álbum cruza música cubana y jazz e incluye versiones de “That Old Black Magic” y “Caravan” de Duke Ellington. Luego del lanzamiento de su álbum en solitario, permaneció con el grupo y dos años más tarde estaba con “Las De Aida” cantando en un hotel de Miami cunado la crisis de los misiles cubanos causo la ruptura de las relaciones con América y comenzó un largo periodo de aislamiento de Cuba, volvieron inmediatamente a casa. Continúo con Las De Aída hasta 1967. Año en que comenzó a dedicarse finalmente a su carrera en solitario. Omara representaba a Cuba en festivales internacionales a la vez que mantenía su alto nivel también es Cuba. En los años 70 canto con el grupo top de charanga “Orquesta Aragón”. Viajó extensamente, haciendo presentaciones en varios países como Francia, Japón, Bélgica, Finlandia y Suecia. Omara realizó muchas grabaciones a lo largo de las dos décadas siguientes; pero entre las mejores se encuentra un álbum que grabara con Adalberto Álvarez en 1984 y dos álbumes realizados para el sello español “Nubenegra”: “Palabras” y “Desafíos”.

Los nuevos tiempos:
En el 2000 World Circuit, lanza “Buena Vista Social Club presenta...Omara Portuondo”, el tercer lanzamiento de la serie y un álbum que finalmente coloca su expresiva voz: al centro del escenario. Omara grabo con una banda ese ensueño que incluía a músicos del Buena Vista como Rubén Gonzáles, Orlando “Cachito” López, Manuel “Guajiro” Mirabal y Jesús Ramos, y además apariciones de artistas invitados como Elíades Ochoa, Compay Segundo, Manuel Garban e Ibrahim Ferrer.

El álbum fue acogido con grandes elogios de la crítica, y condujo a Omara a una gira por todo el mundo en el 2000-2001 con sus compañeros del Buena Vista; Rubén Gonzáles e Ibrahim Ferrer, permitiendo así a todo una generación de fans, la oportunidad de ver en un concierto en vivo a este trío ilustre.

El 2002 encuentra a Omara una vez más en la carretera con una extensa gira mundial en solitario, con numerosas fechas en Norteamerica y Europa. En Otoño del mismo año participa en el Festival de Jazz en Japón, en el cual comparte escenario com Michael Brecker, Herbie Hancock, John Patitucci, Wayne Shorter y Danilo Pérez. En el 2003 participa de los festivales de verano en Europa, donde destaca en una increíble aparición en el One World Stage del legendario Festival inglés de Glastonbury. Ese mismo otoño continua la gira por Canadá y Estados Unidos junto a su banda de talentosos artistas.

El presente:
En septiembre del 2003 Omara regresa a los estudios de la EGREM para grabar lo que será su segundo disco solitario producido por World Circuit. Nick Gold se une a Alê Siquiera en las tareas de producción. Completan el grupo de producción las colaboraciones del aclamado injeniero Jerry Boys y el renombrado músico y arreglista cubano Demetrio Muñiz. “Flor de Amor” marca un cambio de dirección para Omara. Este trabajo, su segundo álbum solitario, rebela una textura más enriquecida y el lado sutil de la voz de Omara, músicos cubanos combinados con una excelente selección de músicos brasileños dan al disco un sonido distinto.

Omara realizó en 2004 exitosas giras en Europa, en mayo y junio ha realizado más de 45 shows presentando este álbum. Para ello ha contado con una banda de más de 16 músicos en escena. Entre ellos esta Alfred Thompson (Irakere), vocales como Estela Guzmán y Laura Flores del grupo vocal Gema 4. La vida de esta importante intérprete de la música cubana fue llevada al celuloide por el cineasta Fernando Pérez en el documental Omara. Y su país ha reconocido su bella carrera musical y su aporte a la cultura cubana con la Orden Félix Varela de Primer Grado, que otorga el Estado cubano.

GALARDONES:
• 2002 Orden « Félix Varela ». • 1988 Medalla Alejo Carpentier.

DISCOGRAFIA:
• 1958 Magia Negra. • 1966 Como un milagro, con J. Márquez y su banda. • 1967 Esta es Omara Portuondo. • 1967 Omara Portuondo. • 1974 Omara Portuondo y Martín Rojas (grabado en Finlandia). • 1981 Y tal vez. • 1983 Omara Portuondo. • 1984 Jorrín, con Tito Bermúdez, Omara y Farah. • 1984 Omara Portuondo canta el son. • 1991 Soy cubana. • 1995 Pensamientos. • 1995 Omara Portuondo, con Adalberto Alvarez. • 1995 Cuarteto Las D’Aida (reedición de un LP de 1957). • 1995 Palabras (grabado en España). • 1996 Amigas, con Moraima Secada y Elena Burke. • 1997 La novia del Feeling. • 1997 Desafíos, con Chucho Valdés (de Irakere). • 2000 Buena Vista Social Club presents Omara Portuondo (WCD059). • 2000 Omara Portuondo - La colección cubana. • 2000 Veinte años : Contiene entre otras Quizás, quizás, quizás (Edenways). • 2006 Flor de amor : Contiene el tema "Amor de mis amores", vals peruano adaptado al francés como La foule y cantado por Édith Piaf. (Harmonia Mundi). • 2006 Láagrimas negras - canciones y boleros

COLABORACIONES:
• 1994 Anticipo flamenco, Patita negra. • 1995 A María Teresa Vera, colectivo en homenaje a la autora cubana. • Jackeline Castellanos etc. (grabado en España). • 1995 Marcelino Guerra "Rapindey" (grabado en España). • 1996 Havana nights, con Juana Bacallao, Caridad Hierrezuelo... • 1997 Cómo es posible, Yohiro Hiroishi. • 1997 Cuba! Cuba! light, con Los Van Van, Irakere, Álvarez. • 1997 Buena Vista Social Club (World Circuit WCD050). • 1997 Buena Vista Social Club presents Ibrahim Ferrer (WCD055). • 1999 Richard Egües & Friends. • 1999 Havana Café, Barbarito Torres. • 1999 La charanga eterna, Orquesta Aragón. • 1999 Distinto diferente, Afro Cuban All Stars. • 2005 Cuba le canta a Serrat, homenaje a Joan Manuel Serrat, canta Por dignidad. • 2006 Rhythms Del Mundo: para la pista 8 Killing Me Softly (interpretado antes por Roberta Flack y por The Fugees) y el tema extra Casablanca (As time goes by) a dúo con Ibrahim Ferrer.

Partió de su país a los 14 años y se identificó con el México de los años 50. En México, desempeñó varios oficios "Vivía en una azotea de un edificio, bañándome en el baño de las criadas, vendía cositas y cantaba. Una señora me prestó un coche y pusimos una agencia de criadas, y yo, en el cochecito, llevaba a las muchachas a las casas y ganaba dos pesos por cada una", hasta que apareció la oportunidad que le hizo tropezar con la fama: el tema "Macorina", una canción de rebeldía del siglo XVII que ella interpretó con sus propios arreglos.

Eran épocas en las que paseaba con Agustín Lara, vivía con los pintores Diego Rivera y Frida Kahlo y cenaba grandes dosis de tequila. Llegaron los discos y melodías como "La Llorona", "Somos", "Luz de luna" o "Canción de las simples cosas".

Con el tiempo, la artista estuvo durante 12 años alejada de la canción, de los escenarios y casi de la vida, por culpa del alcoholismo. Mientras que su vida en México era desastrosa. "Estrenaba un coche el viernes y el lunes ya no tenía nada, me emborrachaba y me iba a cantar por las calles. Yo tomaba tequila, todo me lo tomé, por eso no quedó nada allá".

En su regreso dijo: "Salí de los infiernos, pero lo hice cantando". Una leyenda habla de disparos de pistolas, de chicas secuestradas en su caballo blanco, brioso, por el paseo de Insurgentes. "Eso no hay que creerselo, monto a caballo, amo los caballos, pero el de mi leyenda era en realidad un Alfa Romeo blanco, y nunca secuestré a nadie.

Yo he tenido que luchar para ser yo y que se me respete, y llevar ese estigma, para mi es un orgullo. En la fragilidad de su estampa, chiquita, delgada, ajetreada y de no más de 53 kilos dejaron su huella los 40 mil litros de alcohol, que, según un cálculo de su hermano, ella bebió a lo largo de sus 78 años años.

"Un día, estábamos de viaje por Acapulco y a él le dio por sacar la cuenta de lo que había tomado, por pelos y señales. Y lo cierto es que el número, aunque elevado, no me asustó. Todo tiene un para qué en la vida. Y por algo habrá sido, y yo sé que por algo fue, pero me lo reservo." La mexicana que lleva grabados 41 discos -entre propios y ajenos, para los que prestó la gravedad de su voz- y que protagonizó algo más de 980 conciertos.

El director español Pedro Almodóvar le dio la bienvenida y le ofreció participar en su producción "La flor de mi secreto". A partir de ese momento, los títulos y reconocimientos mundiales dan alegría y fe a su trayectoria musical. Para Chavela, España es: "Un país que me hizo su amiga en los años 80, abriéndome sus brazos y su juventud."

Conocida en México como "la Vargas", ha actuado en importantísimos escenarios como el Olimpia de París, el Carnnie Hall y el Palacio de Bellas Artes de México. Musa y amiga para Juan Rulfo, Frida Kahlo, Agustín Lara y Diego Rivera e intérprete de cabecera para Pedro Almodóvar y Joaquín Sabina.

Una calle de Burgos (España)lleva su nombre y ha recibido también en España el título de "mujer excelentísima". Retirada de los escenarios por miedo a perder su voz "No quiero que me vayan a ver solamente por ser una viejita simpática", sigue colaborando en grabaciones junto a otros artistas como Miguel Bosé, Joaquín Sabina, Ana Belén y Armando Manzanero.

El director de cine Pedro Almodóvar, besó el suelo del escenario del Pabellón de Deportes del Real Madrid y pidió silencio a la audiencia antes de entregar a Vargas el Premio Latino de Honor. El Consejo de Ministros español le concedió la Gran Cruz de Isabel la Católica en el año 2000.

ALGUNAS DE SUS CANCIONES:
- La Llorona. - Luz de luna. - Toda una vida. - Cruz de olvido. - Macorina. - Vamonos. - Zandunga. - Las simples cosas. - Corazon Corazon. - La noche de mi mal. - En el último trago. - La Churrasca. - Quisiera amarte menos. - Volver Volver.

Los Panchos ganaron fama internacional con sus boleros románticos, especialmente en América Latina, donde aun son honrados como uno de los tríos más famosos de todos los tiempos. Vendieron millones de copias de sus discos de 78 RPM y álbumes LP a unos pocos años de su fundación.

No hay duda que uno de los factores indiscutibles de su éxito, además de su magnetismo artístico y calidad vocal, fue el apoyo de la comunidad latina radicada en New York, especialmente la Puertorriqueña y Dominicana, además del ofrecido por las compañías discográficas SEECO y CBS Columbia (hoy dentro del consorcio Sony BMG Entertainment) con las que mantuvieron contratos durante su trayectoria.

Tras este triunfo se trasladaron, en 1948 a México, fue un paso muy importante en su carrera ya que por ese entonces México era la capital absoluta de la música latina, pero los recibieron con los brazos abiertos, la emisora XEW (por ese entonces la mas importante) les dio un espacio patrocinado por Nestle, al tiempo que realizaron presentaciones en diferentes centros nocturnos de categoría, como “El Patio” entre otros, con esta formula llegaron a captar el corazón de los Mexicanos.

Hacia 1951 comenzaron una gira internacional por el Caribe, Centro y Sudamérica, Panamá, Guatemala, Cuba, Puerto Rico, Santo Domingo, Venezuela, Colombia, Ecuador, Perú, Argentina y Chile. Durante esta gira, en pleno éxito, la agrupación enfrentó su primera crisis, en Bolivia, motivada por el difícil carácter del Alfredo Gil, lo que marcó, tras una acalorada discusión el alejamiento de la primera voz Hernando Avilés. Inmediatamente, Gil y Navarro convocaron a una audición a varios aspirantes, la cual ganó el músico y cantante Raúl Shaw Moreno quien apenas se iniciaba en el ambiente artístico. Shaw Moreno solo duró unos 9 meses con la agrupación, ya que su voz, más pastosa y fuerte que la de Avilés no terminó de gustar al público.

Tras esa crisis Los Panchos continuaron con su carrera marcada por sus siete primeras voces, así mismo intervinieron aproximadamente en 50 películas, a lo largo de su trayectoria. Durante este tiempo, el lugar de Primera Voz fue ocupado por artistas como Julio Rodríguez, Johnny Albino y Enrique Cáceres, entre otros.

En 1964, CBS propuso a los integrantes del trio (entonces conformado por los dos integrantes fundadores y Johnny Albino) el acompañar por primera vez a una voz femenina. Se trataba de la vocalista estadounidense de ascendencia turca, Eydie Gorme quien tenía pocos años de trayectoria discográfica en su país y quien empezaba a grabar en idioma español. De la colaboración entre Gorme y Los Panchos, además de los músicos acompañantes, nació el álbum Great Love Songs In Spanish (titulado Amor, en idioma español). El éxito de este intento, hizo que CBS los reuniera nuevamente para grabar los álbumes Cuatro Vidas y Blanca Navidad. Vale resaltar, como anécdota, que ante la imposibilidad por los compromisos artísticos de Eydie Gorme de ensayar con el ya famoso trio, Alfredo Gil propuso usar la voz de su propia esposa como base para los arreglos vocales de estos discos.

Hacia 1970, a propuesta de la filial mexicana de CBS Columbia, Los Panchos, con ayuda de la tecnología de audio fueron convocados a un estudio de grabación para acoplar sus voces y guitarras, y los sonidos de mariachis a la voz de Javier Solís en un álbum denominado Dos Ídolos Cantando Juntos el cual se convirtió en la primera reconstrucción técnica postmortem de la música de Solís y que no fue desvinculado del género del bolero ranchero. Este álbum precedería, a uno dedicado a la música ranchera mexicana. Después de esto, Los Panchos vuelven a colaborar con vocalistas femeninas haciendo papel acompañante. Es el caso de los LP grabados junto a la italiana Gigliola Cinquetti, Estela Raval y María Martha Serra Lima, con quien se cierra esta etapa.

En 1981 con el retiro de Alfredo Gil se cerró el ciclo del "Trío Los Panchos", a través de una gira por América, que se llamó "Hasta Siempre". Esta última formación del "Trío Los Panchos" estuvo conformada por Alfredo Gil, Chucho Navarro y Rafael Basurto Lara. Después de la gira de despedida, "Chucho" Navarro decide continuar con la agrupación, contratando a diferentes intérpretes del requinto en sustitución de Gil. En 1991 grabaron en España, para Sony Music, los discos Los Panchos Hoy y Los Panchos a su manera". En 1993, fallece Navarro y tras esta grave pérdida, su primera voz, Rafael Basurto Lara, por exigencias del contrato discografico vigente, promocionó ambos discos. En la actualidad, Lara continúa activo actuando como solista o con su propio trio.

En el año 2000, y dentro del programa de Miguel Bosé, llamado "Séptimo de Caballería", se grabó el álbum titulado "Mil años más de Amor". Es el primer álbum de la agrupación realizado en vivo y en el que se incorpora además de las guitarras, requinto, bajo y percusión, la presencia de las flautas. Destaca en este álbum la presencia de artistas invitados como los vocalistas españoles Nacho Campillo y Tamara y el cubano Amaury Gutiérrez, además de agrupaciones como el sexteto de cuerdas "Ars Ensemble" del músico español Joan Valent, el de Ignacio "Nacho" Mastretta y el pianista y compositor Juan Carlos Calderón, quien acompañó en la grabación a Rafael Basurto Lara.

En la actualidad hay unos pocos trios que llevan el nombre de "Los Panchos" bien porque Alfredo Gil los denominara así o por otras razones, sin que medie un dictamen legal al respecto, pues este nombre estaba registrado a nombre de José de Jesús "Chucho" Navarro, integrante fundador de la agrupación original. De hecho, la última primera voz del grupo, Rafael Basurto Lara, enfrentó problemas legales con el hijo de Navarro por el uso del nombre.

Integrantes:
Chucho Navarro: Su nombre fue José de Jesús Navarro Moreno, fue miembro fundador del trío. Fue responsable de la segunda voz, guitarra y conducción desde 1944 hasta 1993. Nació en Irapuato, Guanajuato, el 20 de enero de 1913 y falleció en México D.F. el 23 de diciembre de 1993. Considerado como uno de los compositores más prolíficos contemporáneos, autor de éxitos como "Lo Dudo", "Rayito de Luna", "La Corriente", "Una Copa Más", "Sin Un Amor", "Perdida", "Maldito corazón", "Sin remedio", entre otros.

Alfredo Gil: Su nombre fue Alfredo Bojalil Gil, también apodado el Güero (el Rubio). Ejecutante del requinto y la tercera voz desde 1944 hasta 1981. Nació en Teziutlan, Puebla, el 5 de agosto de 1915 y falleció en México D.F. el 10 de octubre de 1999. El requinto, fue creado por él ante la necesidad de reforzar las introducciones y los pasajes sin voz de las canciones; afinado una cuarta más alta que la guitarra normal, se asemeja a una guitarra pequeña pero con un sonido más agudo. Autor de éxitos como "Hija de la Mala Vida", "Basura", "Tu ausencia", "Solo", "Cien mujeres", "Me castiga Dios", "No trates de mentir", "Ni que sí, ni quizá ni que no", "Un siglo de ausencia", "Ya es muy tarde" y "Lodo", entre otros.

Hernando Avilés: Su verdadero nombre era Herminio Avilés Negrón, fue la primera voz del trio desde 1944 a 1951 y luego de 1956 a 1958, nació el 1 de febrero de 1914 en San Juan de Puerto Rico y falleció en México D.F. el 26 de julio de 1986. Fue también integrante del trío "Los Reyes" junto a los hermanos, Raúl y Gilberto Puente.

Estos tres son los componentes "fundadores" del trío. Tras el alejamiento de Hernando Avilés seis voces más se unieron al trío marcando distintas épocas. Estas son las demás primeras voces del trío:

Raúl Shaw Moreno: Su verdadero nombre era Raúl Alberto Shaw Boutie, fue la primera voz del trío entre 1951 y 1952. Nació el 30 de noviembre de 1923 en Oruro, Bolivia. Luego de su alejamiento, integró el trio Los Peregrinos y luego Los Tres Caballeros junto a Roberto Cantoral y Benjamín "Chamín" Correa. Posteriormente, mantuvo una carrera como compositor, en su calidad de solista y realizó intervenciones fonográficas en México y Venezuela. Radicado en Argentina, falleció el 14 de abril de 2003.

Julio Rodríguez Reyes: Fue la primera voz del trío desde 1952 hasta 1956. Nació en 1927 en Santurce, Puerto Rico. Durante su estancia con Los Panchos, Rodríguez descubrió el talento de Javier Solís, recomendandolo a la filial mexicana del sello Columbia Records. Compositor de éxitos como "Mar y cielo", se retiró del grupo en 1956 formando más tarde el Trío Los Primos junto a Tatín Vale y Rafael Scharron, el cual fue rebautizado después como Julito Rodríguez y su Trío. Posteriormente, formaría el trío Los Tres Grandes de 1975 a 1983. Hoy en día, vive en Puerto Rico junto a su esposa dedicado a la música.

Johnny Albino: Su verdadero nombre es Juan Antonio Albino, nació el 19 de diciembre de 1919 en Guayama, Puerto Rico. Con su trío "San Juan" fue rival de Los Panchos pero en 1958 formó parte del trío como primera voz, hasta 1966. Compuso temas como "Carilú" que le escribiera a la hija de Chucho Navarro, "Flor Sin Color" y "La distancia nos separa", su alejamiento se produjo en medio de graves desaveniencias caracterizadas por demandas legales de ambas partes. Hoy, Albino vive en Nueva York, dedicado a su familia y a su música.

Enrique Cáceres: Fue primera voz del trío de 1966 a 1971, nació un 2 de mayo de 19??. Cáceres también se destaco como compositor con temas como "Niñería", "Adulterio" y "Amigo cantinero". A pesar de su bonita voz y de haber grabado infinidad de temas, no convenció a los seguidores del trio, sentían que no expresaba el estilo "Panchista". Es de destacar como un gesto de generosa caballerosidad por parte de Cáceres que cuando fue reemplazado por Ovido Hernández Enrique tuvo una etapa de transición durante la cual el "Trío Los Panchos" alterno las dos primeras voces. Luego de su retiro definitivo continuó con su brillante carrera como solista.

Ovidio Hernández: Nació en la ciudad de Poza Rica, Veracruz, México. Fue primera voz del trío de 1971 a 1976. Fue autor de las canciones "Ah, que gente", "Escoria", "Camina", "Perderás, perderás" y "Por fuera y por dentro". Lamentablemente una infección llamada Encefalitis le cegó la vida falleciendo en México D.F. el 27 de septiembre de 1976, como dijo Chucho Navarro "el primero de Los Panchos que nos deja".

Rafael Basurto Lara: Nació en Tlapa, Estado de Guerrero, México el 15 de abril de 1941. Ingreso al trio en noviembre de 1976 tras el fallecimiento de Ovidio Hernández, manteniéndose como la primera voz hasta hoy. Durante esta etapa se produjo el alejamiento de Alfredo Gil en 1981 y el fin del ciclo del "Trío Los Panchos", después del cual Rafael y Chucho siguieron sólo como "Los Panchos", en respeto a Alfredo. Posteriormente con el deceso de Chucho Navarro en 1993 se cerró definitivamente el ciclo del "Trío Los Panchos" y de "Los Panchos".

Rafael Basurto Lara continua grabando y realizando presentaciones por el mundo entero como "La Última Voz de los Panchos" y ha escrito innumerable cantidad de canciones, algunas de ellas fueron grabadas por ellos como "Mari Mari" "Mis excesos" y "Qué Lástima" entre otras.

Si bien ella siempre afirmó que había nacido el 1 de julio, se ha fijado su nacimiento oficialmente el 23 del mismo mes en el seno de una familia humilde con diez hijos, la cual residía en el barrio lisboeta de Beira Baixa. Ya desde niña era conocida en su entorno por sus aptitudes para la canción.

Después de unos años en diferentes trabajos, debutó en el año 1939 en el Retiro da Severa, un local muy conocido por los amantes de la música popular. Un año después contrajo matrimonio con el guitarrista Francisco da Cruz. Su primera actuación fuera de Portugal fue en Madrid, en el año 1943, cuando conoció, entre otras personalidades de la época, a Imperio Argentina, junto a la que llegó a actuar en algunas ocasiones y a Manolete.

Sus primeras grabaciones de un total estimado de 170 datan de 1945 y fueron realizadas en Brasil. Recibió reconocimiento internacional a partir de ese momento y llegó a actuar en escenarios de renombre en Nueva York, París y Moscú.

En 1990 se retiró y a partir de ese momento se dedicó a escribir poemas, realizando contadas actuaciones hasta la fecha de su muerte en 1999. Amalía Rodrigues falleció el 6 de octubre de 1999 en su casa lisboeta y fue enterrada en el Cementerio de Prazeres, después de un funeral de estado multitudinario realizado en la Basílica da Estrela. Un año después de su fallecimiento la Asamblea de la República de Portugal decide honrar su memoria con el traslado de sus restos al Panteón Nacional, situado en la Iglesia de Santa Engrácia. Tal ceremonia se lleva a cabo el 9 de julio de 2001, desde entonces reposa en la sala de los escritores ilustres.

La casa en la que vivía Amália, en la Rua São Bento número 193, situada junto a la Asamblea de la República Portuguesa, se abre como Casa Museo de Amália Rodrigues en el mes de agosto de 2001 para preservar su legado artístico y su figura.

En la discografía que se refleja en este espacio pueden conocer las grabaciónes completas 1945-1952.

Intervino en filmes como "Yo no me caso" (1944, de Juan de Orduña) o "Los habitantes de la casa deshabitada" (1946, de Gonzalo Delgrás), en la que también intervino el actor Fernando Fernán-Gómez, con quien estuvo casada desde 1947 hasta 1959, y con quien tuvo dos hijos: Elena y Fernando.

Posteriormente actuó en diversos teatros de España, Francia y México, representando obras de Enrique Jardiel Poncela, José Zorrilla, Federico García Lorca o Edmond Rostand.

Como cantante, estuvo acompañada durante muchos años por los guitarristas Santiago y Julián López Hernández, conocidos como «Los Gemelos». Ha interpretado con gran sensibilidad y éxito internacional las canciones de compositores como el mexicano José Alfredo Jiménez, la peruana Chabuca Granda, el cubano Miguel Matamoros y muchos otros autores latinoamericanos.

Su voz suave y su perfecta dicción en diversos registros — baladas, boleros, coplas, rancheras, fados, etc.—, así como sus grandes dotes dramáticas sobre el escenario, han convertido sus versiones de "Flor de la canela", "Fina estampa", "Limeña" o "Rosario de mi madre", clásicos peruanos, en clásicos de la canción popular en habla hispana.

FILMOGRAFIA:
• Inés de Castro (1944), de Manuel Augusto García Viñolas
• Yo no me caso (1944), de Juan de Orduña
• Noche decisiva (1945), de Julio de Fleischner
• Los habitantes de la casa deshabitada (1946), de Gonzalo Delgrás
• Embrujo (1947), de Carlos Serrano de Osma
• Tiempos felices (1950), de Enrique Gómez
• Niebla y sol (1951), de José María Forqué
• Vida en sombras (1952), de Lorenzo Llobet Gracia
• Vuelo 971 (1953), de Rafael J. Salvia
• Fantasía española (1953), de Javier Setó
• La danza de los deseos (1954), de Florián Rey
• Zalacaín el aventurero (1955), de Juan de Orduña
• Carlota (1958), de Enrique Cahen Salaberry
• Hay alguien detrás de la puerta (1960) de Tulio Demicheli
• Cena de matrimonios (1962), de Alfonso Balcázar
• Lección de Toledo (1966), de José Luis Borau
• La Orilla (1971), de Luis Lucia

DISCOGRAFIA RECIENTE:
• En buena compañía (2007)
• Al cabo del tiempo (2006)
• Ellas cantan asi (2003)
• Canciones del alma (2003)
• A Carlos Cano (2001)
• As de corazones (1999)
• Reverdecer (1997)
• Caminemos (1996)
• Caballo viejo (1992)
• Por derecho (1992)
• Amarraditos (1992)
• A mis amigos (1990)
• Homenaje a Chabuca Granda (1990)
• María Dolores (1989)

ALGUNAS CANCIONES CONOCIDAS:
• El tiempo que te quede libre. • Amarraditos. • En un rincón del alma. • Dos amores. • Limeña. • Amanecí en tus brazos. • Son de la loma. • Carino malo. • Tú que puedes vuélvete. • Ausente. • Cuando vivas conmigo. • Ya no me quieras. • Mi mejor tristeza. • La flor de la canela. • El rosario de mi madre. • De carne y hueso. • Pa' todo el año. • Fina estampa. • Toda una vida. • Quisiera amarte menos. • Caballo viejo.

Nacida en el tradicional barrio porteño de San Telmo, era hija del guitarrista de origen gibraltareño Antonio Nile y de la actriz malagueña Rosario del Río. Contaba sólo seis años cuando subió por primera vez a un tablado, y no lo abandonó hasta pasados los ochenta. No obstante, cuentan que su debut artístico lo hizo con cuatro años en el bonaerense Café Armonía y que aquel día, como premio a su actuación, recibió leche merengada.

Malena, como la llamaban en su infancia, debe su nombre artístico "Imperio Argentina", al escritor Jacinto Benavente, que quedó impresionado por el desparpajo artístico de una niña que, con el paso de los años, se convertiría en una talentosa actriz, reconocida más allá de su Argentina natal y con cuyo nombre han sido bautizadas varias calles españolas. El que fuera años más tarde premio Nobel de Literatura justificó la elección de este nombre diciendo: «Canta tan bien como Pastora Imperio y baila tan bien como Antonia Mercé, la Argentinita».

Su debut sobre los escenarios tuvo lugar en 1924, en el teatro Romea de Madrid, de la mano de la Argentinita. En 1927, el director cinematográfico Florián Rey la escogió para interpretar La hermana San Sulpicio, película muda basada en la novela homónima de Armando Palacio Valdés. En 1928 viajó a Alemania para rodar Corazones sin rumbo, de la que sólo se conservan unos minutos.

Poco después, el cine sonoro llamaría a su puerta. En 1930 interpretó El profesor de mi mujer, y un año después, Cinépolis. Obtuvo un especial éxito con la película Su noche de bodas, dirigida por Louis Mercanton y Florián Rey, en la que cantaba el vals Recordar, a dúo con Manuel Russell, que llegó a ser el éxito discográfico del momento. Después rodó Lo mejor es reír, versión española de Rive gauche, a las órdenes de Alexander Korda. Mas tarde interpretó ¿Cuándo te suicidas? y el cortometraje El cliente seductor (1931), junto con Maurice Chevalier.

Como guinda a un gran año, la todopoderosa Paramount la fichó para actuar en dos películas junto a su compatriota Carlos Gardel. De esa unión nacieron La casa es seria y Melodía de arrabal (1932), filme que la consagró en las pantallas norteamericanas. Posteriormente, Florián Rey la dirigiría en dos de sus mayores éxitos, Morena Clara y Nobleza baturra, ambas de 1935.

Contrajo matrimonio con el director de cine Florián Rey y, tras su separación, con el conde de las Cabezuelas, a quien abandonó poco después recibiendo por ello una reprimenda de la Iglesia. Su gran dolor fue sin duda la pérdida de sus dos únicos hijos, una pena que la marcó de por vida. En alguna ocasión se dijo que su gran amor había sido el actor Rafael Rivelles. Con Carlos Gardel tuvo sus más y sus menos, ya que ambos presumían de tener un carácter indomable, y como fruto de esa relación profesional, que no pasional, nació un gran dúo que protagonizaría Melodía de arrabal; de hecho, Imperio fue la única mujer que cantó con el gran autor de tangos.

Su azarosa vida la llevó a publicar en 2001 el libro de memorias Malena Clara, e inspiró el personaje femenino de la película La niña de tus ojos (1998), de Fernando Trueba, interpretado por Penélope Cruz, aunque Imperio se molestó con el filme al considerar que narraba determinados episodios de su vida.

Títulos inolvidables.
La filmografía de Malena sumó un total de veintidós películas y un puñado de folletines que rodó en los últimos años de su vida ante las cámaras. De esa última época nacieron títulos como Ama Rosa (1960), Tata mía (1986) y también El polizón del Ulises (1987).

Las grandes dotes artísticas de Imperio Argentina la llevaron también a grabar canciones con el guitarrista y vocalista Rafael Medina para el sello Parlophone, así como melodías cubanas y la versión de un éxito del cine estadounidense, «Carioca», baile que alcanzaría su mayor apogeo con la coreografía que popularizaron Fred Astaire y Ginger Rogers en Volando a Río (1933).

Imperio también grabó tangos que Tania y Libertad Lamarque cantaban en América, rivalizando en España sólo con Carmencita Aubert, la popular tanguista y actriz catalana. Los temas Danza maligna y Hacelo por la vieja los cantan al mismo tiempo una y otra, Carmencita para Odeon e Imperio para el sello Parlophone, y es asunto de coleccionistas y melómanos opinar cuál de las dos cantaba mejor.

Cuando contaba 11 años hizo su debut en el teatro Segueros de Valencia, estudió canto con el maestro Laguna, actuó en el Grao, Gandía, en los teatros valencianos Apolo y Kursaal. Fue descubierta por el maestro Penella, que preparaba el estreno de su ópera "El gato montés" en Nueva York.

El 13 de septiembre de 1922, en un entreacto de este estreno, interpretó la canción "El florero" de Penella. Pasó cinco años en Estados Unidos, cantando en Broadway y en muchos teatros. En el año 1927, participó en la primera película sonora, El cantor de jazz (The Jazz Singer, 1927, Alan Crosland), con Al Jolson.

Regresó a España, donde actuó en el teatro Romea de Madrid y en el Coliseum barcelonés, y rodó en París "El negro que tenía el alma blanca", de Benito Perojo. Siguió con "La bodega" (1930, Benito Perojo), "Yo canto para ti" (1935, Fernando Roldán), La Dolores (1940, Florián Rey), Filigrana (1949, Luis Marquina) y Me casé con una estrella (1951, Luis César Amadori).

En 1933 contrajo matrimonio con el torero Antonio Márquez. Conoció al poeta y letrista Rafael de León y junto con Antonio Quintero y el maestro Manuel López-Quiroga y Miquel, crearon una serie de espectáculos donde aparecían canciones que se hicieron muy populares, como la copla "La parrala".

Otras de sus canciones son "Tatuaje", "Cinco Farolas", "Ojos verdes", "No te mires en el río", "Los piconeros", "La Lirio", "Romance de la reina Mercedes", "A la lima y al limón", "Antonio Vargas Heredia", "Cárcel de oro", "La niña de la estación", "No me quieras tanto", "Yo soy esa", "Y sin embargo te quiero", sin duda alguna, una de las mejores cantantes de copla de España.

Doña Concha falleció en Madrid el 12 de diciembre de 1990. En la Fallas 2008 se dedicó un "ninot" en el que aparecía la famosa artista junto a dos falleritos entregándole una "Mare de Déu".El "ninot" pertenecía a la falla "Convento Jerusalén Matemático-Marzal" y fue escogido como el "ninot" indultado de las fallas de 2008, conviertiéndose así en la única figura que se salvó de las llamas.

Nació en Madrid, un mes de Octubre de 1944 en el barrio de Cuatro Caminos. Sus padres Tomás de Las Heras y María Ortiz siempre afirmaron que su hija fue una niña muy tranquila. Su infancia transcurrió en un barrio sencillo de Madrid entre juegos con los niños de su edad. Tras el nacimiento de su hermano Jacinto, menor que ella algunos años, fué éste quien se convirtió en su juguete favorito y en el centro de toda su atención.

Por el hecho de ser la mayor de la familia y debido a los recursos económicos limitados de la familia, en más de una ocasión le tocó desempeñarse en las labores domésticas, además de ayudar en la crianza de sus hermanos menores.

Desde que inició sus estudios de primaria, ya sentía deseos de hacer carrera como actriz, lo cual mantuvo en secreto durante un tiempo. Entre tanto, en los recreos de su colegio, la futura artista ya contaba con su primer público conformado por sus compañeras de clases, que la hacían cantar, a lo cual no se negaba. Después se hizo común su presencia animando las veladas escolares como cantante. Aunque sus padres apoyaban su talento, no deseaban que hiciera carrera artística. Al terminar la primaria, ya trabajaba como aprendiz en una peluquería de su barrio.

Comenzó su carrera artística participando en diversos festivales y concursos radiales de canto, apoyada en secreto por su abuelo paterno que creyó siempre en su talento y fue su primer admirador. A los 15 años de edad (1959), con aprobación de sus padres, participó en el espacio televisivo, hoy desaparecido, "Primer Aplauso" que emitía Televisión Española. El tema que escogió era la canción tradicional "La Sombra Vendo".

Cerca de la estación de televisión, Luis Sanz, un "buscatalentos" madrileño, quien veía el programa, quedó impactado por su talento y personalidad. Tanto fue así, que Sanz se puso en contacto con la realización del programa para pedir el nombre y la dirección de la joven concursante. La conversación entre Luis Sanz, quien era ya representante de varios artistas españoles famosos, y sus padres, fue decisiva en su futuro. Por primera vez en su vida, la futura estrella habló de sus aspiraciones artísticas y de sus deseos de ponerse en manos del señor Sanz, que quería lanzarla al estrellato.

Los padres de María de Los Ángeles estaban indecisos sobre qué debían hacer. Al cabo de una semana, dieron su aprobación al empresario. Aunque la futura artista insistía, sus padres temían el fracaso de su hija. Esto, desde luego, no ocurrió. Sanz decidió que la muchacha fuera puesta al cuidado de profesores particulares para terminar sus estudios de secundaria e iniciar los de canto, baile y actuación. Todo ello ocurrió, cuidando de que la futura Rocío Dúrcal, no perdiera su personalidad, que había encantado al empresario. Al mismo tiempo que le revela los secretos de la profesión artística, Sanz la pone en contacto en diversos eventos sociales con los artistas famosos de su época e incluso, algunos debutantes en el medio artístico como Raphael y la hoy fallecida y contemporánea Rocío Jurado, y del famoso de la epoca Camilo Sesto, amigo y ademas vecino de quien sería muy amiga.

Como su nombre era poco adecuado para lanzarla al estrellato, Sanz ideó llamarla Rocío. En una entrevista televisada antes de su muerte Rocío contó que ese sobrenombre se lo puso su abuelo pues le recordaba el rocío matutino. Así, Sanz debe haber recogido el sobrenombre de aquella costumbre familiar. Pero, pensando que le haría falta un "apellido", él y la joven buscaron un mapa de España en el que ella señaló al azar la población de Dúrcal, en la provincia de Granada. Había nacido el sobrenombre con el cual logró su paso a la posteridad. Más tarde, fue declarada Hija adoptiva de esta población y fue bautizada una calle en su honor.

Una vida de cine:
Su inicio en el cine, después de unas pruebas fotogénicas, se dio con la película "Canción de Juventud" del director Luis Lucia Mingarro, cuya historia, escrita con ella en mente, retrataba a una adolescente con su misma personalidad. La película obtuvo enorme éxito de taquilla y de la crítica especializada. Este éxito se repitió en los países hispanoparlantes donde se exhibió la cinta. Sanz, a raíz de este éxito, obtuvo permiso para internar a Dúrcal en un colegio donde mejoraría sus modales y cursaría materias que le servirían para ampliar su cultura.

Inmediatamente, Dúrcal se convierte en la protagonista de "Rocío de la Mancha", cinta que obtiene también el favor del público. A raíz de esto, la joven intérprete obtiene su primer contrato discográfico con la transnacional Phonogram (hoy Universal Music). Las canciones que interpretó la artista en ambas cintas sirvieron para realizar su primer álbum titulado "Las Películas de Rocío Dúrcal" (1962). Este primer álbum, constituyó el inicio de su exitosa carrera discográfica.

En estas circunstancias, viajó por primera vez a México, Venezuela, Puerto Rico y Estados Unidos donde participó en el célebre programa del presentador Ed Sullivan (The Ed Sullivan Show). En su cuarta película "Tengo 17 años" (1964), Rocío Dúrcal manifiesta mayor madurez y hace a un lado su rol de "niña prodigio". En este año realizó su primera obra de teatro titulada "Un domingo en Nueva York" en la cual se reveló como una excelente actriz teatral.

En 1966, acorde con esta madurez, Dúrcal comparte protagonismo con el entonces joven actor y cantante mexicano Enrique Guzmán en la cinta "Acompáñame". Se ha constituido la costumbre de editar un álbum por cada película que protagoniza y en este álbum comienza a realizar dúos con distintos cantantes, que en este caso fueron Jaime Morey y Amalia de Isaura. Cuando interviene en "Amor en el Aire" (1967) comparte roles con el joven cantante y compositor argentino Ramón Palito Ortega. Pero no será sino al año siguiente, cuando filma "Cristina Guzmán" que es la primera de sus cintas destinada a público mayor de 18 años. En esta cinta rompe definitivamente con la imagen, hasta entonces ligera y despreocupada, de sus cintas iniciales.

Familia:
En 1969, Dúrcal conoce a los integrantes del dúo "Juan y Junior" integrado por los cantantes Juan Pardo y Antonio Morales. Se enamora de este último y 9 meses después contrae matrimonio con el cantante filipino. Once meses después, nace la primera hija de ambos llamada Carmen María Guadalupe. Rechaza contratos para atender a su hija, pero retoma la carrera del cine y participa en montajes teatrales.

En 1972, Antonio Morales inicia una serie de espectáculos en televisión cantando a dúo con su esposa tanto en España como en Latinoamérica. Morales decide después del nacimiento de su segundo hijo en Abril de 1974 (Antonio Fernando) renunciar a su carrera para dedicarse a los hijos. Dúrcal continúa su carrera cinematográfica pero se aleja durante 5 años del medio discográfico. En el 1979 llega su tercera hija: Shaila, quien ahora se inicia como cantante con el nombre de Shaila Dúrcal.

Reina de la ranchera y señora de la canción.
Cumplido este lapso, Dúrcal firma contrato con Ariola Eurodisc en donde Camilo Blanes (Camilo Sesto) es productor y director el cual guia y apoya en sus proyectos (que hoy forma parte de Sony BMG Entertainment) y graba en 1977 su álbum "Una Vez Más", dedicándose definitivamente a la música. Ese año, estando en México, conoce al compositor y cantante Juan Gabriel y decide arriesgarse a grabar un álbum entero con sus éxitos en ritmo de ranchera, sin saber que podría ocurrir. Pero, sin mayor publicidad, esta grabación obtiene tan altos niveles de venta, que Dúrcal y Juan Gabriel consideraron la posibilidad de realizar una nueva grabación, tan exitosa como la anterior hasta realizar juntos 5 LPs, lo que marca la revitalización de la carrera de la cantante.

Nace en 1979, su hija Shaila de los Ángeles, pero Dúrcal continua su actividad y en 1981 graba el álbum de baladas Confidencias (La Gata, en España) bajo la dirección y producción de su compatriota Rafael Pérez Botija, lo cual le hace merecedora de amplias ventas y reconocimientos artísticos. Su colaboración con Juan Gabriel se ve interrumpida por desavenencias y continúa grabando álbumes con otros compositores como Marco Antonio Solís.

Se incorpora a la era del CD con el álbum "Si te pudiera mentir" (1990). Los álbumes "Desaires" y "Hay Amores y Amores" los realiza con producción y canciones de los compositores Joan Sebastián y Roberto Livi. En 1997 el álbum doble "Juntos Otra Vez" reúne por última vez a Dúrcal y Juan Gabriel. Aunque no vuelven a realizar proyectos, las canciones de éste último que le proporcionaron la fama las siguió incluyendo en sus presentaciones.

En 1998, con la dirección de su descubridor Luis Sanz, realizó la serie "Los negocios de mamá" transmitida exitosamente por Televisión Española. En su haber se cuentan más de 30 producciones discográficas entre el 1961 y el 2004 con las que logró vender más de 40 millones de discos (solista femenina española más vendedora de todos los tiempos).

Todos discos tuvieron éxitos rotundos y obtuvo inmensidad de discos de oro y platino por sus ventas en países que la adoraron como México, USA, Venezuela, Colombia, España, etc. Se consolidó como la intérprete femenina estrella de la música ranchera a partir de 1977, siendo la principal embajadora de la música mexicana en el extranjero. La crítica la considera entre las 4 reinas de este género, última de las principales exponentes, constituyendo el cuarteto de ases junto a Lola Beltrán, Lucha Villa y Amalia Mendoza.

Compartió escena con los más importantes de su generación y las posteriores. Entre ellos se encuentran Camilo Sesto, Roberto Carlos, Armando Manzanero, Joaquín Sabina, Rocío Jurado, Juan Gabriel, Enrique Guzmán, Dyango, Guadalupe Pineda, Julio Preciado, Daniela Romo, José Luis Rodríguez, Pepe Aguilar, Vicente Fernández, entre otros.

Entre sus mayores éxitos musicales cuentan: Costumbres, Amor Eterno, Como tu mujer, La gata bajo la lluvia, Me gustas mucho, La guirnalda, Te sigo amando, Vestida de Blanco, Fue tan poco tu cariño, No lastimes más, Si piensas...si quieres, Como han pasado los años, Tarde, Quédate conmigo esta noche y muchas otras canciones que enamoraron e hicieron época. Durante toda su carrerra permaneció en los hit parades internacionales, ocupando las principales posiciones.

Entre otros atributos por su belleza, encanto y su voz potente, tierna y misteriosa fue llamada La Novia de la Juventud, La Novia de América, La Embajadora de la Ranchera, La Señora de la Canción, La Española más Mexicana, La Diva de Divas y La Reina de la Ranchera.

En el año 2001, después de la grabación de su álbum "Entre Tangos y Mariachi" le es diagnosticado un cáncer. A la vez que se sometió a tratamientos médicos, Dúrcal continuó con sus giras. Antes de grabar su último álbum en 2004, en otro examen, se descubrió una pequeña mancha en uno de sus pulmones, lo que indicaba que el cáncer se había difundido hacia estos. La artista volvió a someterse a quimioterapia y Grabó "Alma Ranchera".

Rocío Dúrcal luchó hasta el último momento. Murió el 25 de marzo de 2006 en su casa de Madrid, pasando sus últimos días en compañía de su familia. En su despedida se congregaron multitud de artistas y admiradores de la cantante. Una de la más emotivas manifestaciones de cariño fue la del Mariachi Real de Jalisco, residente en España, que despidió a Dúrcal con la ranchera "Las Golondrinas" interpretada en el Parque Cementerio de La Paz, de la localidad madrileña de Tres Cantos. Al día siguiente de su fallecimiento, su cadáver fue incinerado por deseo de su familia, posteriormente parte de sus cenizas fueron distribuidas en México, España y EE. UU. (Miami) país donde Rocío Dúrcal fue muy querida y respetada.

Anécdotas y curiosidades:
Muchas anécdotas y datos de Rocío Dúrcal fueron poco publicitados, tal vez por propia decisión de la artista, pero cabe resaltar algunos muy interesantes: Durante el año de 1989, Dúrcal se encontraba de gira en Venezuela y asistió al programa sabatino de televisión Sábado Sensacional. Pero el presentador del espacio, Amador Bendayán, se encontraba enfermo a causa de la Diabetes Mellitus y el productor del espacio dispuso en el estudio de una cartelera para que los artistas enviaran mensajes pidiendo la recuperación del animador. Al concluir Dúrcal su actuación, el presentador suplente Gilberto Correa, le pidió también firmar la cartelera. Dúrcal lo hizo y añadió que Bendayán no podía ausentarse más del programa, "porque él sabe que yo soy su novia oficial", lo cual provocó las risas de la audiencia.

En el año 2004, en su última gira en Colombia, un periodista le dijo: "Supongo que vas a interpretar clásicos como Amor Eterno, por ejemplo". Dúrcal contestó inmediatamente, con una sonrisa: "Amor Eterno" no es clásico, ¡Eso es antiguo! pues casi nadie hace eso.

En uno de sus primeros viajes a México, en los años sesenta, la imponente Avenida de Los Insurgentes se vio abarrotada por los fans de la juvenil estrella, siendo insuficiente la cafetería que habían programado para el evento donde ella estaría.

Cuando Rocío Dúrcal murió todos los medios en México dieron la noticia como parte de sus noticias de primera plana, algo poco habitual en este país en el cual las notas de espectáculo tienen su propia sección. Los periódicos publicaron la nota dedicándole prácticamente la página principal.

A dos meses de su muerte, las ventas de sus discos se dispararon logrando una subida extraordinaria al grado de agotar existencias en toda América. Según la disquera se llegó a un 600% de aumento, los especialistas lo atribuyen al arraigo que la más mexicana de las española sigue teniendo en toda América.

El día 23 de marzo de 2007 el alcalde de Madrid inauguró la glorieta Rocio Dúrcal, situada en el distrito madrileño de Tetuán, en la confluencia de las calles Pablo Iglesias, Ofelia Nieto y Francos Rodríguez.

Rocío Dúrcal lleva vendidos más de 60 millones de copias en todo el mundo, siendo la artista española con mayores ventas.

TRABAJOS PUBLICADOS:

DISCOGRAFIA:
1962 Las Películas de Rocío Dúrcal Philips-Phonogram (España) 1963 Trébole Philips-Phonogram (España) 1964 Tengo 17 Años Philips-Phonogram (España)
1964 Villancicos De Rocío Philips-Phonogram (España) 1965 Más Bonita Que Ninguna Philips-Phonogram (España) 1966 Acompáñame Philips-Phonogram (España) 1966 Buenos Días, Condesita Philips-Phonogram (España) 1967 Amor En El Aire Philips-Phonogram (España) 1968 Cristina Guzmán Philips-Phonogram (España) 1970 Las Leandras Philips-Phonogram (España) 1972 La Novicia Soñadora (La Novicia Rebelde) - Philips-Phonogram (España) 1977 Una Vez Más Ariola Eurodisc (España) 1977 Rocío Dúrcal Canta A Juan Gabriel Ariola Eurodisc (España) 1978 Rocío Dúrcal Canta A Juan Gabriel Volumen 2 Ariola Eurodisc (España) 1979 Rocío Dúrcal Canta A Juan Gabriel Volumen 3 Ariola Eurodisc (España) 1980 Rocío Dúrcal Canta Con Mariachi Volumen 4 Ariola Eurodisc (España) 1981 Cuando Decidas Volver (Rocío Dúrcal Canta A Juan Gabriel Volumen 5) - Ariola Eurodisc (España) 1981 La Gata (Confidencias) Ariola Eurodisc (España) 1982 Boleros (Canta Lo Romántico De Juan Gabriel) Ariola Eurodisc (España) 1983 Entre Tú Y Yo Ariola Eurodisc (España) 1984 Jardín De Rosas (Canta A Juan Gabriel Volumen 6) - Ariola Eurodisc (España) 1986 Siempre Ariola Eurodisc (España)
1987 Rocío Dúrcal (Canta 11 Grandes Éxitos De Juan Gabriel) - Ariola Eurodisc (España) 1988 Como Tu Mujer Ariola Eurodisc (España) 1990 Si Te Pudiera Mentir Ariola Eurodisc (España) 1992 El Concierto... En Vivo Ariola Eurodisc (España) 1993 Desaires Ariola Eurodisc (España) 1995 Hay Amores Y Amores Ariola Eurodisc (España) 1997 Juntos Otra Vez (Con Juan Gabriel) BMG (México) 1999 Para Toda La Vida BMG (México) 2000 Caricias BMG (México) 2001 Entre Tangos Y Mariachi BMG (México) 2002 En Concierto... Inolvidable BMG (México) 2003 Caramelito BMG (México) 2004 Alma Ranchera BMG (México)

FILMOGRAFIA:
• Canción de juventud, de Luis Lucia Mingarro (1962)
• Rocío de La Mancha, de Luis Lucia Mingarro (1963)
• Tengo 17 años, de José María Forqué (1964)
• La chica del trébol, de Sergio Grieco (1964)
• Más bonita que ninguna, de Luis César Amadori (1965)
• Acompáñame, de Luis César Amadori (1966)
• Buenos días, condesita, de Luis César Amadori (1967)
• Amor en el aire, de Luis César Amadori (1967)
• Cristina Guzmán, de Luis César Amadori (1968)
• Las Leandras, de Eugenio Martín (1969)
• La novicia soñadora o La novicia rebelde, de Luis Lucia Mingarro (1971)
• Marianela, de Angelino Fons (1972)
• Díselo con flores, de Pierre Grimblat (1974)
• Me siento extraña, de Enrique Martí Maqueda (1977)

SERIES:
• La Sierpe del Nilo (década del 70)
• Los Negocios de mamá (1997)

PREMIOS:
Es la artista femenina hispana que más premios del más alto nivel ha recibido en su carrera.
• 1972, Premio como Mejor Actriz del Círculo de Bellas Artes a la mejor actriz y Premio del Sindicato Nacional del Espectáculo a la mejor actriz por su actuación en Marianela.
• Título de ciudadana honoraria de Puerto Rico.
• 1984, Premio Naranja de la peña periodística "Primera Plana de España".
• 1985, Premio ACE Mejor Cantante Femenina, otorgado por la Asociación de periodistas de espectáculos de Nueva York.
• 1986, Premios Ronda al Mejor Álbum y Artista Femenina del Año, entregado por la "Revista Ronda" de Venezuela.
• 1986, Premio Prensa AYPEE otorgado por la Asociación Yucateca del Espectáculo de México.
• 1986, Ciudadana Honorable de la Ciudad de Tucson, Arizona, USA.
• 1986, Nominación al Premio Grammy en la categoría de Disco Latino del año por RD canta a JG Vol. 6.
• 1987, Premio Heraldo Mejor Intérprete Internacional Femenina.
• 1988, Premio Aplauso FM 98, otorgado por el "Spanish Broadcasting System", en Los Ángeles, California.
• 1990, Premio TVyNovelas Mejor Intérprete Femenina.
• 1991, Premio Heraldo a la Mejor Cantante del Año.
• 1991, Premio Ronda a la Artista Internacional del Año, entregado por la "Revista Ronda" de Venezuela.
• 1991, Premio Aplauso al tema "Si piensas, si quieres", en Miami.
• 1991, Premio Heraldo, a su brillante trayectoria artística, de 30 años de éxitos ininterrumpidos.
• 1991, Premio a su Trayectoria BMG ARIOLA, otorgó un reconocimiento único en cantidad de discos de oro y platino por sus 30 años de trayectoria artística.
• 1993, Premios ACE: Mejor Disco: Rocío Dúrcal, Artista Internacional del Año y Mejor Concierto: Rocío Dúrcal en el Paramount, según la asociación de Cronistas de Espectáculos de Nueva York.
• 1996, Premio Aplauso al mejor tema por "Como han pasado los años", en Miami.
• 1996, Nominación al Grammy en la categoría Disco latino por el disco Hay Amores y Amores.
• 1996, Premio Orquídea de Platino, instituido por Venevisión en la ciudad de Maracaibo, Venezuela, por primera vez, como un homenaje por su amplia y brillante trayectoria artística, siendo por ello, Rocío Dúrcal la primera artista en recibir dicho premio.
• 1996, Premios ACE a Mejor Tema por la canción "Hay Amores y Amores" y Mejor Intérprete Femenina, según la asociación de Cronistas de Espectáculos de Nueva York.
• 1996, Estrella de la Plaza Galerías de la Ciudad de México.
• 1997, Premio Hall of Fame de la Revista Billboard, por su trayectoria artística.
• 1997, Reconocimiento Miztli, de la Ciudad de Puebla, México, a su carrera.
• 1998, Premio Lo Nuestro, Mejor Dúo o Grupo por el disco Juntos Otra Vez, con Juan Gabriel.
• 1999, Billete de Lotería Nacional de México impreso con su imagen.
• 1999, Premio TV y Novelas, Reconocimiento especial por ser la Embajadora de La Cancion Ranchera a Nivel Mundial.
• 2000, Estrella de la Calle 8 de Miami.
• 2000, Huésped Distinguida y Llaves del Condado Dade, USA.
• 2002, Nombrada Madrina de Honor de las estudiantinas a nivel internacional, Murcia, España.
• 2003, Nominada al Grammy en la Categoría Música Regional Mexicana por el disco Inolvidable...en Vivo.
• 2003, Grammy a Bebu Silvetti a la Mejor Producción Latina por el Disco Inolvidable...en Vivo.
• 2004, Nominación al Grammy Latino, Categoría Mejor Álbum Vocal Pop Femenino por Caramelito.
• 2005, Premio Naranja, otorgado por la Asociación de Prensa Primera Plana de España.
• 2005, Homenaje Especial del Premio de la Música Mexicana ERES en el Zócalo del DF.
• 2005, Premio Latino a toda una vida de la IX Edición de los Premios de la Academia de la Música.
• 2005, Nominada al Grammy Latino en la Categoría Música Regional Mexicana por el disco Alma Ranchera.
• 2005, Premio Grammy a la Excelencia Musical de la Academia Latina de la Grabación.
• 2006, Premio Naranja Especial a Rocío Dúrcal y su familia, otorgado por la Asociación de Prensa Primera Plana de España.
• 2006 - Premio Júbilo 2006, Título Póstumo.
• 2006 - Premio Oye, Musa Especial Homenaje por la trayectoria y la contribución a la música mexicana.
• 2006, Premio Especial de TVE en la Gala el Disco del Año.
• 2007, Instauración de la Medalla Rocío Dúrcal como título de reconocimiento de la Asociación Internacional de Mariachis.
• Múltiples discos de oro y platino por la venta de sus sencillos y álbumes.

Carlos Cano pensaba que la fe en la copla mueve montañas y animado por gente como Lluis Llach o Enrique Morente, comenzó a cantar en la universidad, con voz trémula y memoria familiar republicana en 1969. Su abuelo había sido fusilado justo al término de la Guerra Civil española. Cano empieza a componer con voz y guitarra, y su primera época, la de la Transición, es marcadamente política. Sus canciones se unen a la reivindicación de una España democrática y el resurgimiento de una identidad andaluza, “una manera de vivir, más que una forma de ser”, definida en sus palabras. De esta época es "la Verdiblanca" considerada himno no oficial de Andalucía.

En los años ochenta gira hacia un intimismo sobre el que pivotan discos como “Si estuvieran abiertas todas las puertas”, “De la luna y el sol” o “A través de las sombras”, y amplía sus estilos incluyendo tangos, boleros, rumbas y otras composiciones musicalmente muy cuidadas, como la magnífica “El rey Al-Mutamid le dice adiós a Sevilla”, de influencia árabe y cuya letra está tomada de los propios versos de Al-Mutamid, el rey poeta.

Tras “Cuaderno de coplas” y “Quédate con la copla”, Cano reivindica el valor popular de la copla como canción popular andaluza, cuyo uso por parte del franquismo le había supuesto el desprecio de la modernidad. Fue el primero en reivindicarla y muchos otros cantantes de hoy, como Martirio o Pasión Vega, han conseguido mantener el estandarte y volver a colocar a la copla en su sitio, dentro de la modernidad.

En palabras de Carlos Cano: "La canción española no es ni canción ni española, es copla y andaluza". En los 1998 musica los poemas de Diván del Tamarit, de Federico García Lorca, con quien ya se había atrevido en varias ocasiones, con la colaboración de Leo Brouwer, Orquesta Filarmónica de Londres, Curro Romero, Orfeón Donostiarra, Paco Ibáñez, Santiago Auserón y Marina Rossell. Una gran obra. Este proyecto, es un viejo sueño que ha tardado más de veinte años en poderse realizar. "El Diván del Tamarit" es un libro de amor y muerte, de luces, de sueños, de vientos, de tormentas y de sombras, un puente entre dos mundos: oriente y occidente; memoria que configura la cultura profunda de España. Una superproducción, llena de amigos y colaboradores que han puesto su arte, su talento y su música en las Gacelas y Casidas del Diván del Tamarit. Intervienen en esta obra nombres como los de Leo Brouwer,Orquesta Filarmónica de Londres, Curro Romero, Orfeón Donostiarra, Fernando Bellver, Mario Hernández, Paco Ibáñez, Santiago Auserón...etc.

En el año 1998, Carlos Cano fue nombrado “Artista de la UNESCO por la Paz”, en su sede de París. También fue seleccionado por Cadena Dial como artista representativo y recibió el premio “Protagonista del año” en Música por su magnífica adaptación a la canción del Diván del Tamarit de Federico García Lorca, que constituyó el mayor homenaje discográfico en el centenario del poeta.

“La copla, memoria sentimental”. En 1999, casi despidiendo el siglo XX, Carlos Cano toma un puñado de temas que se escondían en la memoria del pueblo: “Ojos Verdes”, “María de la O”, “La Tani”, “Te he de querer mientras viva”, “Me embrujaste”, “Antonio Vargas Heredia”, etc.., coplas de ayer tratadas musicalmente con la frescura popular, el refinamiento y la actualización adecuada, que forman un catálogo de emociones que viajan al corazón a la velocidad de la luz y que tienen la vigencia de la vida.

En el año 2000 graba su último disco “De lo perdido y otras coplas”. Este disco fue grabado en Buenos Aires, Praga, Madrid, La Habana y Chiclana, entre los meses de Noviembre de 1999 y Junio de 2000, con la colaboración de la Orquesta Filarmónica de Praga, la guitarra flamenca de Juan Manuel Cañizares, el bandoneón de Pablo Mainetti, la Orquesta de Cámara Camerata Romeu de La Habana, la Banda Sinfónica Municipal de Madrid, los Coros del grupo La Caleta del Carnaval de Cádiz y la participación especial e inédita de Amalia Rodrigues en “María la Portuguesa”, recuperando su voz grabada en Lisboa en 1987. Un trabajo que culmina su lucha por defender la dignidad de la copla.

No hubo tiempo para más. Nos dejó un 19 de Diciembre del año 2000 en Granada... y se fue lleno de vida. La versatilidad de Carlos Cano como compositor, capaz de componer preciosas cuecas, tangos, rumbas, sambas, nanas, coplas… con sólo voz y guitarra o con orquesta, alegres murgas carnavaleras y preciosos temas intimistas, unida a la calidad y emotividad de sus textos hacen de este artista un ser único en el panorama musical español.

Entonces cantaba canciones de Concha Piquer y de Estrellita Castro, siendo esta última un gran ídolo de Lola. En 1939, con 16 años, debutó en el Teatro Villamarta de Jerez en el espectáculo “Luces de España” que encabezaba la pareja de baile formada por Rafael Ortega y Custodia Marchena y el guitarrista Melchor de Marchena. Lola Flores cantaba Bautizá con manzanilla.

Tuvo sus mayores éxitos como pareja artística de Manolo Caracol, con quien trabajó hasta 1951. En 1958 se casó con el guitarrista Antonio González Batista, El Pescaílla, con quien tendría tres hijos: Dolores, más conocida como Lolita, Antonio y Rosario. Los tres se dedicarían al mundo de la canción, así como su hermana Carmen Flores.

De fuerte temperamento y presencia, entre 1939 y 1992 apareció en diversas películas, en las que solía hacer el papel de gitana. Entre ellas, resalta todo un clásico del cine español de los 40: Embrujo (1947, Carlos Serrano de Osma), drama musical donde acompaña a Manolo Caracol; sus films folklóricos de los años 50 como la exitosa Morena clara (1954, Luis Lucia) versionando el célebre film de 1934, y en compañía de Fernando Fernán Gómez, El duende de Jerez (1953).

Maria de la O (1959), que supone su primera película con Antonio González "El Pescaílla", La hermana San Sulpicio (1962), etc; sus populares dramones mexicanos tipo La faraona (1955) o Sueños de oro (1958); "Casa Flora" (1972, Ramón Fernández) o "Una señora estupenda" (1972, Julio Coll) como sus dos cintas más salvables en plena época de la comedia española su papelito haciendo casi de sí misma en la reseñable pero algo sobrevalorada comedia "Truhanes" (1983, Miguel Hermoso) o su participación en la cinta documental rodada para la Expo de Sevilla "Sevillanas" (1992, Carlos Saura), junto a algunos de los grandes nombres del flamenco en general.

De entre su profesión, es muy conocida su amistad con dos artistas folklóricas y actrices cinematográficas también famosas y compañeras de generación, con las que compartió giras musicales por Hispanoamerica: Carmen Sevilla y Paquita Rico, con las que actuó en un film no muy brillante: "El balcón de la luna" (1952, Luis Salavsky). Su extraordinario temperamento venció las reticencias de los críticos más puristas, que cuestionaban su voz y la ortodoxia de su baile. Actuó en el Madison Square Garden de Nueva York, y se recuerda una famosa crítica tras el estreno: "No sabe cantar, no sabe bailar, no se la pierdan".

En 1962 recibió el Lazo de Dama de Isabel la Católica y en 1967 fue premiada con la medalla de oro del Círculo de Bellas Artes. Falleció en su residencia de El Lerele el 16 de mayo de 1995 a los 72 años.

En su hogar aprendió a amar la música; su primera presentación en público la hizo a los ocho años, en una obra en su Colegio de La Divina Pastora. También aprendió a trabajar duro desde muy niña. Cantaba misas, participaba en festivales de su colegio y también, a los quince años, cuando falleció su padre, tuvo que echar una mano a la precaria economía familiar. Trabajó de zapatera, recolectora de frutas y aún tenía tiempo para presentarse a los concursos de Radio Sevilla.

A Rocío le llegaron a llamar 'La niña de los premios' ya que ganaba todos los premios de las emisoras de radio en los cuales participaba. En 1958, su primer premio fue en Radio Sevilla, en el Teatro Álvarez Quintero, de Sevilla. Su primer premio fueron 200 pesetas, una botella de gaseosa y un par de medias, como ella misma confesó a una revista del corazón.

De la mano de su madre, viajó a Madrid, sin haber cumplido la mayoría de edad, donde una vieja amiga del pueblo la presentó a La Niña de los Peines y al maestro Manolo Caracol. Sin embargo, su imparable carrera artística no empezó hasta su primer encuentro con la cantaora Pastora Imperio.

Pastora Imperio inmediatamente contrató a Rocío para el tablao que regentaba, El Duende, uno de los primeros de la época de los tablaos. Siendo una menor, tenía que vestir ropa que la hiciera aparentar más edad para no llamar la atención de las autoridades. Su compañera, la cantaora y bailaora malagueña Cañeta de Málaga, que también había llegado a Madrid aún siendo joven a buscar fortuna con su arte y fue contratada en El Duende, recuerda en una entrevista como la joven Rocío cantó «sus alegrías, sus tientos y sus cosas de la Piquer».

Rocío siempre había dicho que nació en 1944 ya que cuando llegó a Madrid para cantar en 1960 era menor de edad. Hasta los 16 años no podía cantar en los tablaos, por este motivo es que falsificó su fecha de nacimiento.

VIDA ARTISTICA:
Profesionalmente, Rocío Jurado despuntó con un repertorio mayormente de copla, género que empezaba a perder vigencia y que ella revitalizó con actuaciones enérgicas, tanto en voz como en presencia escénica. Se ha repetido varias veces una anécdota con Concha Piquer, cuando Rocío, aún jovencita, se osó a interpretar ante ella uno de sus viejos éxitos; la Piquer la recibió con frialdad, acaso al ver peligrar su liderazgo.

Popular ya en los años 60 y primeros 70, en parte por algunas apariciones como actriz en televisión y cine, Rocío dio el salto a la categoría de estrella internacional al inclinarse a un repertorio melódico, de balada romántica, con instrumentaciones orquestales y una imagen personal (maquillaje, peluquería y vestuario) al gusto anglosajón.

Rocío alternó la bata de cola con suntuosos vestidos de noche, a veces muy comentados por su exuberancia. De los años 70-80 son sus éxitos "Como una ola", "Señora", "Como yo te amo", "Muera el amor".., muchos de ellos debidos a Manuel Alejandro. La verdadera celebridad de Rocío radica en esta faceta, más que en la folklórica.

La declaración flamenca más contundente de Rocío Jurado llegaría años después cuando ya era una destacada intérprete de la copla y de baladas. En 1982 aplicó sus extraordinarias dotes al cante flamenco en un doble LP con la colaboración de dos máximas figuras de dicho género: el guitarrista Manolo Sanlúcar y el cantaor Juan Peña "Lebrijano". Titulado "Ven & Sígueme", descubrió que la famosa cantante también se movía con soltura por los caminos de lo jondo.

A pesar de un decir lírico ya perfectamente desarrollado, la polifacética artista demuestra sus conocimientos y su compás en una serie de cantes rigurosamente tradicionales e interpretados con gran cariño. El cineasta Carlos Saura tomó nota y se sirvió de la voz de Rocío en dos largometrajes: "El Amor Brujo" con Cristina Hoyos en 1986 y "Sevillanas" en 1992 donde interpreta junto a figuras tan relevantes del mundillo flamenco como Paco de Lucía, Camarón de la Isla, Tomatito, Lola Flores, Manuela Carrasco o Matilde Coral entre muchos otros.

En la edición de 1998 del Festival de Jerez dedicado al baile flamenco, el Teatro Villamarta tuvo que colgar el cartel de "entradas agotadas" para la gala de Rocío semanas antes que para cualquier otro espectáculo. Un homenaje unipersonal a la cantante llegó con la adaptación por bulerías de Fernanda de Utrera de "Se Nos Rompió El Amor", canción de Manuel Alejandro popularizada por Rocío.

Su voz fue reconocida a nivel internacional. Prueba de ello es el premio como la Mejor Voz Femenina del Siglo XX, que le fue concedido en el año 2000 en la ciudad de Nueva York. Además, llegó a cantar en la Casa Blanca para el -por entonces- Presidente de los Estados Unidos, Ronald Reagan.

La enfermedad que la atenazó en sus últimos años la obligó a retirarse de los escenarios; con todo, a finales de 2005 grabó un programa especial para TVE, donde sacó fuerzas para asombrar al público con un completo recital interpretativo, de voz y de expresividad. Dicho espectáculo incluyó actuaciones a dúo con múltiples estrellas de la música hispana, desde Paulina Rubio, Chayanne y Mónica Naranjo, hasta Raphael. Meses después se publicó un álbum que recogía dicho espectáculo, Rocío...siempre, que alcanzó notables ventas.

Rocío fue la primera en sustituir el típico traje de volantes y lunares de las tonadilleras por elegantes trajes de noche y una apariencia internacional, pero nunca olvidó sus orígenes, y el 21 de mayo de 1976, cuando se casó con el boxeador Pedro Carrasco en el Santuario de la Virgen de Regla, vistió bata de cola, peineta y volantes.

La pareja tuvo una hija, Rocío Carrasco Mohedano. Tras su divorcio en julio de 1989, Rocío Jurado se casó con el torero José Ortega Cano el 17 de febrero de 1995 en la finca de su propiedad «La Yerbabuena», ante más de 1600 invitados. A finales de 1999, la pareja adoptó dos niños colombianos, José Fernando y Gloria Camila.

En agosto de 2004 fue sometida a una complicada operación en el Hospital Montepríncipe de Madrid, y más tarde, el 17 de septiembre de 2004 anunciaría que padecía cáncer de páncreas en una rueda de prensa. En junio de 2005, el XIV Festival de la Yerbabuena de Las Cabezas de San Juan (Sevilla) fue dedicado a ella.

Con su amigo de toda la vida, Juan Peña "El Lebrijano" a su lado, Rocío Jurado aceptó emocionada el galardón que brindó a su padre y a todos los aficionados. Tras más de un año de inactividad profesional, Rocío reapareció en el especial de TVE Rocío...siempre. El espectáculo, grabado en dos sesiones, incluía una parte de cante folklórico y otra con sus famosas baladas y demás éxitos melódicos. Algunos temas los cantó a dúo con lo más granado de la música hispana: Raphael, Mónica Naranjo, Paulina Rubio, David Bisbal, Chayanne...

En enero de 2006, Rocío Jurado ingresó en el Hospital MD Anderson, en Houston (Texas), para someterse a una revisión y a una pequeña cirugía. Una reacción alérgica a uno de los medicamentos que le suministraron, le hizo ingresar en la Unidad de Cuidados Intensivos en un par de ocasiones, retrasando su regreso a España hasta finales de marzo de 20063 . El mismo día del regreso de Rocío Jurado a España, el Gobierno le concede la Medalla de Oro al Mérito en el Trabajo4 lo cual se le notifica inmediatamente pisa tierra.

El 1 de junio de 2006 Dª Rocío Mohedano Jurado fallecía en su casa de La Moraleja en Madrid, a los 59 años de edad, así lo informaba a las puertas de la residencia de Rocío a las 6 de la mañana su hermano y manager de toda una vida, Amador Mohedano Jurado. Finalmente tras un homenaje en Madrid su cuerpo fue trasladado a Chipiona donde más de 20.000 personas fueron llegando para darle el último adiós. Allí sus restos descansan en paz en el cementerio de San José.

El alcalde de su tierra natal, Chipiona, ha construido un mausoleo en su honor, en el cementerio municipal. En el mundo del flamenco siempre ha habido personajes célebres ligados a Rocío: Curro Romero, Antonio Muñoz Cariñanos, la Duquesa de Alba, Rafael Alberti, Antonio Burgos, Jesús Quintero, Rafael de Paula, además de otros vinculados con la música como Camaron de la Isla, Raphael, Alejandro Sanz, Mónica Naranjo, María Jiménez, María del Monte, Juanita Reina o Isabel Pantoja.

DISCOGRAFIA:
• La Copla: Los grandes éxitos de la canción española (2007) • Rocío... Siempre (2006)
• Señora: La Antologia Completa de Sus Grandes Canciones (2004) • Yerbabuena & Nopal (2003) • La Más Grande (2001) • Con Mis Cinco Sentidos (1998) • Palabra de Honor (1994)
• La Lola se va a los Puertos (1993) • Como las alas al Viento (1993) • Sevilla (1991) • Nueva Navidad (1990) • Rocío de Luna Blanca (1990) • Punto de Partida (1989) • Canciones de España (1988) • ¿Dónde estás Amor? (1987) • Paloma Brava (1985) • El Amor Brujo (1985) • Desde Dentro (1983) • Y sin embargo te Quiero (1983) • Como una Ola (1982) • Canciones de España (1981) • Ven & Sígueme (1981) • Señora (1980) • Por Derecho (1979) • Canta a México (1979) • De ahora en Adelante (1978) • Rocío Jurado /Columbia (1976) • Rocío Jurado (1976) • Rocío (1975) • Soy de España (1975) • Amor Marinero (1974) • Rocío Jurado (1974) • Rocío Jurado (1971) • Proceso a una Estrella (1970) • Rocío Jurado (1968)

FILMOGRAFIA NACIONAL:
• La Lola se va a los Puertos (1994)
• Horas Doradas (televisión) (1980)
• La Querida (1976)
• Una Chica casi Decente (1971)
• Lola, La Piconera (televisión) (1969)
• En Andalucía nació El Amor (1966)
• Proceso a una Estrella (1966)
• Los Guerrilleros (1963)

En la década de los cuarenta se integra en la Orquesta Fémina, recorriendo diferentes locales de café-concierto de la capital como "El Café Universal". El periodista Emilio Romero la califica como la peregrina de los viejos cafés con música.

Tras unos años retirada de la actividad artística, reaparece en 1968 con el espectáculo "Las Noches del Cuplé" en la sala "El último cuplé de Madrid", que se mantuvo hasta su retiro definitivo en 1999.

Casada en 1947 con el compositor de muchas de sus canciones Enrique Ramírez de Gamboa "Cipri", también trabajó junto a su hija Olga María, con la que grabó el LP "Madrid entre cuplés y canciones".

Su presencia en el escenario de "Las Noches del Cuplé" durante más de treinta años sin interrupción hizo de ella una de las figuras más emblemáticas del casticismo madrileño y quizá uno de los últimos símbolos de una herencia popular y costumbrista representada por mantones de manila, organillos, chulapas, cuplés y chotis.